伊斯塔布鲁克的古典工艺和灵魂出窍
 丹·伊斯塔布鲁克（Dan Estabrook）也许就是这样一个坚持者。他的作品不仅在世界各地的画廊和博物馆展出，同时他也经常通过演讲和教学拓展他的影响。在上个世纪80年代后期，他作为哈佛大学学生时曾经学过古典版画制作。后来他探索了许多类型早期的摄影影像制作工艺。他的作品在传统的工艺上经过了革新和改进，通过艺术家的直觉挖掘出摄影的本质所在。他的照片从不同的层面上揭示了私密性和个人的情感，也包括媒介的观念表达可能。他挑战观众的感知能力和错误观念，质询照片的理解空间，以及影像的转译可能。作为身处数码时代新一代的摄影家，伊斯塔布鲁克依旧通过他的努力，为我们保留了一幅照片和一幅影像之间的关联，永远为创意的心灵寻找真相保留纯净的空间。  也许，通过下面访谈的节录，可以进一步了解他对媒介的实验如何关联摄影历史、当下和未来。 问：多少年来，你的作品是向后看的，穿越历史，穿越时间，穿越你自己的情感世界，穿越你的照相机镜头，然而一切却都源于你工作室中最新的实验成就。能谈谈你现在的作品吗？ 答：最新完成的作品是在几周以前，这是一系列过渡时期的作品，我开始离开我最近的作品，开始体验一种新的东西。这一作品题为《吻》，看上去非常像以往的作品，椭圆的造型，加上少许色彩，但是印制过程不一样，我试图找到一种更像绘画的东西，只要有可能。 我以往对一个系列的最终结果往往很害怕，怕的是缺乏新的观念或者没有变化的能力，但是我学会了忠实于作品本身，包括整个过程和自身的困扰，不管其是否恰到好处。然而这些天我却有点过度兴奋。冬眠季节留出了更多的实验空间，于是我可以有足够的时间和精力同时做几件事：绘画，重新修整早期的负片技术，做一些非摄影的玩意等等。一旦发生疑惑，我就全力以赴。  问：你说的《吻》是什么样的印制方式，你能够稍稍解释一下印制的过程吗？ 答：一些年来我几乎就是使用银盐类的印制方式，美丽而简单，其历史又有着非常深厚的摄影积淀。但是随着对绘制的兴趣不断增长，我的兴趣逐渐转向了重铬酸盐光敏树胶，甚至爱不释手。这些乳胶面可以直接混入水彩画颜料从而产生你所需要的色彩。使用刷子在乳剂上涂抹的过程很像是水彩画，然后才是曝光，在水中冲洗。我在表面上构筑了很多的层面，很薄，色彩等效果完全不同，然后一点一点构筑最终的影像。然而整个过程又是一个破坏力的过程，哪怕最终结果一无是处，却教会了我忍耐。  问：为什么你选择了对历史的模仿，包括风格、象征符号、肌理甚至观看的对象？你是如何定义的，你的作品的关联度何在，也就是说你是如何将不同的时代熔铸在一起的。 答：我们回首过去的动机，也许最重要的对于我来说，困惑是最大的一部分。我想扮演一个重新诠释我们自身历史的角色，尤其是摄影诞生之后的历史，从符号和象征中推断某种意味，不管这些是真实的、蓄意的或是其他。当然我感兴趣的，有关我们是如何犯错的，而不是成功的，也就是说那些被称之为真实的东西，实际上可以展现出我们的偏见、兴趣以及渴望。我想，所谓的关联，就是自从1839年以来整个历史的困惑。如果可能的话，我真的希望构成一种后退。通过跳蚤市场、地下室以及档案中所得到的原始材料变成我的画面，重新刷新我们对于过去的理解，有时候真的是很令人震惊的。  问：你是否很深入地研究过19世纪的作品？包括什么样的展览、印制品给你灵感？ 答：实际上我并未做过严格的研究和探索，但是却有着一直的迷恋之情。比如我很喜欢大都会博物馆的展览《唤醒的梦》，我在学校里以及毕业后也曾深入研究过验尸摄影。一旦博物馆或画廊有老照片的展览我不会放过。我也收藏了不同年份的老照片。尽管这些资源越来越少，但是也还是可以找到。  问：选择这样一种工作方式不仅仅和媒介中的技术进步是矛盾的，包括数码摄影、大画幅、彩色，PS等等，同时也是和主流的世界相抵触的。因为所有的一切都在高速发展，稍纵即逝，相互关联。你却选择了非常缓慢的工作状态，传统的艺术工作室，最基本的材料。你是如何认识这样的工作方式对你和你的作品所带来的影响？ 答：缓慢的工作过程是一种让我感到快乐的过程，当然我也可以使用电脑，或者面对纽约街头疯狂的节奏。但是一旦进入工作室，就必须强迫自己等待漫长的曝光时间，小心翼翼地操作每一个步骤，我完全有足够的时间思考宏观的计划。时间不仅是一个很好的过滤器，同时可以让我避开嘈杂进入小小的诗意的氛围。我想没有什么更好的出路了。  伊斯塔布鲁克是美国摄影家，关于他的资料不多，国内翻译的《美国摄影图片制作工艺专业教程》一书中收录了他的作品和古典制作工艺技巧。网上“锦衣夜行”有文说：欣赏伊斯塔布鲁克的作品，是需要一定的氛围环境的，个人意见：封闭的空间，摇曳的烛火，安静、绝对的安静。唯有这样，作品中那诱人的魔力才会抵达你的灵魂。恐惧、诡异、莫名的伤感，就会让你欲罢不能，透骨至深。 前提是，你必须面对他的原作，而非屏幕上的画面——这里只能将就了……    |
