假如亚当斯没拍到月亮—风光摄影中的“Ps”

  安塞尔•亚当斯（Ansel Adams）拍摄《月升》那天晚上，倘若天空并没有升起月亮，而他为了让画面更加“完美”，利用后期技术添加上一轮明月，那么以这种方式得到的《月升》，是否还具有如此魅力？

      2009年7月19日，第59届环球小姐大赛上海赛区初赛阶段，大赛主办方出人意料地宣布：从本届大赛开始将允许有整容经历的选手参赛。由于世界三大顶级选美比赛（世界小姐、环球小姐、国际小姐）之前都公开拒绝所谓的“人造美女”，此举因此招来诸多质疑。

      国人围绕“人造美女”可否参加选美大赛问题分成正反两方，支持者认为：无论是自然美还是人造美，都是美，不该厚此薄彼，既然通过后天努力来弥补先天遗憾的做法能够在其他领域得到赞扬，那么在选美大赛上也不能例外。反对者认为：人为整容破坏了游戏规则，这对于其他选手是不公平的，如果选美大赛纵容“人造美女”，那么选美大赛就会变成整容大赛，这会促使很多本来无需整容的女子趋之若鹜，后果将不堪设想。

      与选美比赛一样，如今有各种名目的摄影比赛或者摄影展览，如“奥赛”“省展”“月赛”等。摄影比赛，特别是各种沙龙性的摄影比赛，选来选去，其实大都围绕一个“美”字。评委们衡量一幅摄影作品的优劣，无非是根据作品的形式美、意境美、技术美、瞬间美以及内涵美等要素。

      正如佳丽们登场亮相之前需要浓妆淡抹、勾脸描眉一样，摄影者在将自己的作品拿去参赛或参展之前，总会将其打理一下，或增点饱和度及锐度，或动动曲线和色阶，或修掉脏点和坏点。为了增强艺术感染力或独特的审美情趣，有彩色转黑白的，也有进行局部复杂处理的，更有“移花接木”者。

      在胶片摄影年代，拥有暗房或者能够进行照片后期制作的不在多数。数码摄影时代后，以Photoshop（俗称Ps）为代表的各种影像后期处理软件，很多情况下可以帮助摄影者扭转“乾坤”，甚至化腐朽为神奇。然而，人们对Ps的认识不尽相同，甚至观点完全相左，有人认为Ps是二次创作的得力工具，有人觉得Ps是破坏秩序的洪水猛兽。每当影展或比赛结束之后，Ps问题始终是争论的焦点，总有正反两方就某些作品“该不该Ps”或“Ps是否过度”进行激烈争执，特别是那些增加或删减画面内容的风光作品更会成为众矢之的。这些问题不仅给摄影者带来很大的困惑，也让各种大赛的评委以及组委会伤透脑筋。

      纪实摄影以及作为“当代艺术”的摄影对Ps早有定论，Ps的争论焦点往往集中在风光摄影领域。多数人看来，风光摄影应该纳入艺术摄影范畴，要以表现“美”为最终目的；但也有些人认为，风光摄影作品更多体现的是纪录价值，不能失去“真”的属性。不少风光摄影爱好者常常对一些问题把握不清，如风光摄影作品的色彩饱和度以及锐化度如何掌握？能否添加或删除画面元素？假如Ps高手利用“移花接木”之术让作品看起来天衣无缝，能否称得上是佳作甚至“大片儿”？这种“P”出来的照片与那种志趣天成的作品相比，艺术价值上是否有高低之分？

      登场亮相前，美女们或“轻描淡写”，或浓妆艳抹，总之都会精心设计一番后再一展迷人风姿，通常没人愿意素颜亮相，以免遭遇所谓的“卸妆死”。摄影人也往往如此，大家一般不情愿亮出素材“老底儿”，更希望让观者直接欣赏最终的成品而博得喝彩。因此，我们真诚感谢本期栏目的几位作者，他们为了此次的Ps研讨活动，敞开心扉，开诚布公，不仅拿出自己拍摄的原始素材，而且详尽说明了Ps的过程和想法。中国摄影家协会艺术摄影委员会委员、中央美术学院设计学院摄影教研室的姚璐先生，听说本刊的Ps研讨活动后欣然撰文，阐述观点。本刊编辑部的几位编辑也对Ps问题发表了各自的看法。另外，本刊记者专门就Ps有关问题，采访了多位著名摄影家和摄影界资深人士。名家们见多识广，但观点也不尽相同，让我们听听他们到底有哪些与众不同的见解。

      我对Ps的观点是：它只用来还原我的双眼所见，无他。因此，拍摄时我通常只用RAW格式，因为这种格式能帮助我更好地实现双眼所见。RAW实际上并非一种“格式”，而是一种用数码相机捕捉到的原始数据信息，它避免了不同色彩处理标准的干预。

      如同使用胶片一样，RAW也需要后期处理，但不是在暗室里使用放大机，而是使用电脑和影像处理程序。让很多人感到吃惊的残酷现实是，数字影像原本是一种“黑白”的东西，因为它基于二进制数字编码技术，其中0等于纯黑色，1等于纯白色，而像素的组合就为我们提供了任何风景的色调组合。当你应用Photoshop的插件Adobe Camera RAW（以下简称ACR）程序时，你将自己的理解赋予最终的影像，而不是遵循照相机的处理器所指定的标准。这正如你在暗室里使用放大机所做的那样，只不过实现了对影像更广泛而精确的控制，这在过去的胶片摄影时代是想都不敢想的。是成为相机自动化设置的奴隶，还是想实现全面的控制并将你自己的标准赋予最终的照片呢？一切都取决于你本人。

      让我以一幅一般化的风景照片为例进行说明。这幅影像是几周前在美国弗罗里达州的大沼泽地国家公园所拍摄的。

      在色彩空间上，我通常倾向于使用ProPhoto RGB的格式打开影像，因为它比Adobe RGB 1998具有更广的色域，这就使得我能够更好地调色，而不会损失影像中的很多原始信息。基于同样的原因，我会使用16Bit的色彩深度以及300dpi的输出精度，因为这是将要发表我作品的高质量期刊的“标准”。

之后我做的第一件事情，是检查在ACR中有没有能够自动校正我的相机和镜头“瑕疵”的对应条目，这些条目是Adobe遵循相机或镜头制造商发给它们的信息而制定的。

      下一步我是根据“清晰度（Clarity）”调整影像。“清晰度”是一种影像色调对比的调整方法，就像你的玻璃窗上有雾气，你用擦窗器清理一样，对我来说就是这种功能。我是一个实际的人，不做那些过多的、有时甚至是无用的技术性的东西，请你根据自己的经验去试，并得出自己的结论。然后应用“自然饱和度（Vibrance）”值，我把它看作预置饱和设置。最后应用“饱和度（Posterization）”值，数值基本上不超过10，以避免色调分离。

现在我接着调整“黑色（Blacks）”，也就是树阴的详细数值。为此我使用了一种手法：当我过度加强“黑色”的强度时它就会用深蓝色显示，这就告诉我损失了“黑色”部分的信息；我不希望这样，因此我把“黑色”的滑动条拿掉，直到深蓝色消失，从而纠正了这一问题。

      现在我继续调整细节，因为在把光信号转换成电信号的过程中，总是有清晰度的损失，因此需要修正。ACR提供了实现这一目标的几种选择，并且在最后，你还可以通过调整来降低影像的噪点和颜色“干扰”。

      下面的所有步骤都可以在视觉上进行调整。为此，我首先把影像扩大到200%，然后按Alt键，我就能观察到不同的调整方法的效果，影像就变成了黑白的，从而方便仔细观察。一个很好的方法是，你在按Alt键的同时应用“蒙版”，你就能准确观察到你是如何调整控制尺度的。

      我继续调整每一种颜色的饱和度，同时观察屏幕上调整对影像所产生的效果。

我可以反复做这些调整，直到我认为真正还原了我的双眼所见为止，然后我在Photoshop中打开最终的影像。最后我强调的是，Photoshop以及它的插件Adobe Camera RAW仅仅是帮助我还原双眼所见，我并不会用它做一些无中生有的事情。文／路易丝•卡斯特涅达（美国摄影家）  翻译／张汉

问：您在对风光摄影作品进行后期处理时，是否会进行一些添加或者删减画面内容的做法。

答：我从来不会。添加或者删减画面内容的做法，是一些当代派艺术家要表现自己内心世界的做法。我不是这样的艺术家，我要做的就是还原我当时眼睛所看到的。

问：我看你也动用了不少Ps工具调整你拍摄的原始影像，难道您眼睛所看到的与数码相机所拍摄到的原始影像不一样吗？

答：的确有所不同。数码相机所看到的与我看到的不一样。您也知道，数码相机只能看到黑白的影像，它看不到颜色，颜色是数码相机计算出来的。从这个意义上来说，数码相机并非能完全做到写真，即便通过化学反应的胶片摄影也不能完全做到这一点。

问：请具体说说，您的眼睛所看到的与数码相机看到的有哪些不同？

答：面对同样的景物，我们每个人所“看”到的并不完全相同，当然这里面有很多主观的因素。我所谓我看见的，就是我对眼前景物的一种认知和理解。Photoshop的插件Adobe Camera RAW可以帮助我将我对景物的理解还原出来。

      简单地说，在风光摄影里，我是接受用Ps的，不过用的度就有底线。为什么我支持Ps呢，其实很简单，就如同胶片时代大家拍片选择不同品牌以及型号的胶片一样。那时候是为了追求不同胶片的独特“味道”，这其实就是一种厂家提供的Ps了，只不过选择余地没现在那么多，所以大多数情况下我是支持Ps的。那底线在哪里呢？就是科考、勘测、施工等范畴的影像我不接受“移花接木”式的Ps，不过这次话题讨论的风光摄影大意上会有艺术化拍摄的指向，那么从这个角度上来讲没问题。

      数字影像时代，大家用不同品牌和型号数码的相机，实际这是使用了不同设计师设计的程序。拍风光嘛，谁都想找到属于自己的影像风格（这里我具体指的是色调等），所以后期输出之前调整反差与色调顺理成章。就算你什么也不调，相机里的色彩设置也是不同厂家设计师们的喜好罢了，并不是什么绝对客观的“真实影像”。你拍摄的一瞬间，已经过了别人给你预设的Ps了，而且相机内设的Adobe RGB和sRGB色彩空间你必须选择一个才能拍摄（如果采用RAW格式，可以在解图时选择色彩空间，JPEG格式是在拍摄时决定的）。这两个的色域范围并不一样，哪个你拿来“直出”是真实的？另外，风光摄影里常用到偏振镜以及软边、硬边灰渐变镜，这样拍出来的算“直出”吗？长时间曝光拍摄的星轨与云雾般的水流，这些和人眼看到的哪个更真实？这样想下来，我还是支持用Ps的。

      Ps的功能非常强大，也确实有很多摄影师用得精妙，不过大多数时候还是用色彩调整，对比度、锐化等也比较常用，而“移花接木”式的Ps相对少一些，毕竟那样对后期技术和画面控制力的要求很高，玩不好就容易弄巧成拙。反正我着实见过不少这类的风光片子，且不谈后期的功夫好坏，单说画面，整个片子还是更像平面设计专业的学生作业，属于出力不讨好的类型。因为您是拿自己当摄影师来交流，不是以平面设计师的身份，那这样的情况下Ps就成为摄影师的障碍了。为了后期而后期，形式大过天，格调也并不高，用不用也就那么回事。而同样是用Ps，有的摄影师也“移花接木”了，但移得巧妙，接得无暇，前期拍摄功夫扎实，后期处理水平出众，给片子锦上添花，那就是格调的高下了。所以，用不用Ps只是个人喜好，用得好不好就是个人修为了，这个度全在人为，决定最终结果的不是Ps，而是摄影者的艺术修养。

      钱钟书先生在《谈艺录》中有言：“艺之至者，终和且平，使人情欲止息，造宁静之境；此境高于悦愉，犹悦愉高于痛快也。”那么拍片及Ps亦是如此吧，我想。文／隋晓龙

隋晓龙

中国摄影家协会理论委员会委员，毕业于北京电影学院摄影学院，现为自由摄影师。

      从表现题材上来说，风光摄影可分为两类：一是纯粹的自然景观，二是自然与人文造物相结合的景观。前者以自然风貌为主要表现题材；后者题材更为广泛，融入更多与人相关的因素，通常被称为人文风景。

      相对于传统暗房的手工制作，Ps也可称之为明室影像制作，尤其在数字影像技术飞速发展的今天，Ps是一个不可回避的技术手段。不过很多争议也随之而来，主要的缘由在于调整“度”的把握。

      在从事高品质数字影像制作的工作中，我接触到很多风光摄影师送来制作输出的作品。与数字文件一样，胶片扫描文件也要使用Ps来进行后期调整。很多拍摄胶片的摄影师对影像制作的要求通常是：尽可能表现胶片原有的色彩与质感。使用数码相机的摄影师主要提供RAW文件来进行后期调整。利用RAW文件调整能够保证影像得到最优化的处理，同时也为曝光、色温、细节、影调反差等方面的调整提供了更大的空间。

      在影像的后期调整环节，我始终遵循一个原则——优化而不失实。所谓“优化”，是指通过数字技术处理来弥补前期拍摄上的欠缺，使作品在整体效果上更趋向完美。“不失实”是指作品所表现的真实性，不刻意地去篡改影像并避免无中生有。有的朋友会心存异议：既然通过Ps后期调整了，对影像有所改动，也就背离了真实的原则。我觉得，这个问题就是一个“度”的把握，这个“度”应该是衡量作品真实性的标准。对作品裁减以及对影调、反差、色彩、明暗的适当调整，总体不违背原片的整体效果和风格，这个度就是适当的；如果对原有画面上的内容（像素）进行添加和删改，改变了作品本身所呈现的真实性，也就超越了这个度的把握。

      总结以往大赛的经验：参赛作品初评是关键，要想吸引评委的眼光其实并不简单。那些色彩过于浓艳、过度Ps的风光作品几乎都是第一轮的淘汰目标。要想出类拔萃还要从作品本身的创意出发，而不是比谁的天更蓝、草更绿、月亮更圆。

      我个人也在从事风光摄影的创作，尤其喜欢黑白风景题材，在作品的后期调整工作中自然也离不开Ps。我始终认为，好的摄影作品应该是拍出来的，后期Ps只是弥补前期拍摄的不足。尽量做到前期控制得当，思考在先，做到按快门的时候心中有数。

      在使用数码相机拍摄的时候，我会把它当作胶片相机来对待，不会轻易按动快门。虽然数字技术使得影像的获取越来越容易，但拍出好作品反而越来越难。何况，用好数码相机也绝非是件简单的事情，不但要熟悉数码相机的功能控制，更要了解数字影像的成像原理和特性，只有完全掌握了才会得心应手。其次对于Ps的使用也是非常重要的，Ps的使用方法是否合理对于作品的像质优劣起到至关作用，例如：色彩空间的设定、色深位数大小、分辨率、插值方法、修图调整步骤、选区方法以及图层、蒙版等处理工具的应用等。

      Ps为摄影作品的效果提升提供了强大的技术支持，只有掌握“优化而不失实”的原则，才能取得更理想的结果。文／罗德刚

 

 

 

罗德刚

本名吴家凯，毕业于北京电影学院图片摄影专业，北京光合映像罗德刚数字影像工作室艺术总监，中国摄影家协会会员，“中国摄影金像奖”技术评审。

 

      大家对于Ps的认识各不相同，我认为，数字影像时代与胶片摄影不同，胶片摄影时代的创作大都是一次性完成，而数字影像后期技术为摄影人提供了更大的二次创作空间，摄影人应该庆幸自己赶上了数字时代，庆幸能够使用上Ps技术。Ps并非洪水猛兽，它仅仅是影像处理技术而已。

      我本身不主张用Ps去解决所有的问题，前期一步到位拍摄下精彩的镜头更能考验一位摄影师的水平，我本人的大部分作品也都是一次性拍摄完成的。不过，在有些情况下我们无论如何也无法一次性做到尽善尽美，有时甚至拍到的都是废片。当面对稍纵即逝的、即便不是那么理想的瞬间时，最好不要放过它，先拍摄下来再说。

      下一步，对于这样不够完美的照片应该怎么办呢？此时可以尝试着用一些Ps技术弥补照片的不足，从而让这些照片锦上添花，甚至变废为宝。对于非新闻纪实类的摄影，特别是对于艺术摄影创作来说，这么做何乐而不为呢！这不仅能促使我们学到更多的影像后期技术，也同时让我们体验到了二次创作的乐趣。当然，更多的情况下，我只是用Ps技术裁剪出主题突出、简洁干净的画面效果，理清主体与陪体之间的关系。一般说来，稍作裁切的画面表现力更强，更能打动读者。

      有人说，风光摄影是靠天吃饭。要等上一个完美镜头并不容易，不仅要花费大量的人力物力，还要加上好运气，才能得到满意的摄影作品。很多情况下，天不作美，时间上又不允许，这些因素都会给创作带来些许遗憾。比如《鸟岛》这幅摄影作品，是在青海鸟岛拍摄的。我当时等了好久一直没有按下快门，希望等待那朵漂亮的白云飘入画面后，再摄下这最精彩的一瞬间。但云儿并不懂我的心思，总是飘浮在我的构图之外，而且云的形状越飘越散。无奈之下只能拍摄两幅，后期用Ps去锦上添花。

      《雪域高原》这幅作品拍摄于2010年。那年我去西藏采风时途经塔公镇的一处寺庙，那天天气不太好，一整天都没怎么拍摄。去洗手间时，我手头习惯 性地带上一部卡片机，不经意间远处一眺，这座寺庙的造型立刻吸引了我。当时画面外还有一只老鹰在附近盘旋，我暗自企盼着它最好能飞到我的画面内，从而将它定格在理想位置，可是老鹰根本不“配合”。无奈之下我只好回到车上取出长焦镜头，拍摄下老鹰展翅飞翔的素材，当时就想回去后用Ps的方法将老鹰“请”进我的画面。因为原始底图大面积的天空太过空旷，加进一只老鹰后，构图上既有主体又有了陪体，画面随即有了趣味点与神秘感，整个画面也生动起来，加强了作品的感染力。

      原汁原味的摄影作品固然好，但有时也并非不能尝试一下Ps的方法，来完善一些不完美的摄影作品，这样不仅能让作品锦上添花，有时甚至能变废为宝。但是，凡事都有个度，用到恰到好处，才能锦上添花，反之就会毁于一旦。这也只能针对艺术创意类的作品而言，新闻纪实领域随意运用Ps当然是大忌。另外，如果因为有了Ps技术就忽略了前期拍摄时严谨的创作态度，不但不可取，反而失去了摄影创作的真正意义。

      摄影语言的表现手段伴随着时代的发展而发展，摄影人不要刻板守旧，不能用过去的习惯和认识衡量当代的做法。随着影像技术的发展，摄影创作的方法和理念都会发生变化，摄影人要不断更新知识结构，从而为自己的摄影创作插上腾飞的翅膀。文／李富强

李富强：中国摄影家协会会员，风光摄影家。

      在接到《中国摄影》编辑部的这个命题时，确实有些犹豫，不知从何说起，这是一个比较复杂的命题。关于风光摄影中的Ps问题，首先，我不太认可影像后期就是Ps的说法，传统影像后期也需要做很多调整工作的，后期更应该是对作品深刻的理解与心灵的诠释，这也是为什么很多人Photoshop虽然很熟练，而调整出来的作品却无法达到艺术家水准的原因。另外，诸如涉及Ps中有关锐化、饱和度的把握以及对“移花接木”等看法的问题，在我多年从事摄影后期工作中，有很多摄影人问过这些问题，当然，大家在心中的答案也各不相同，下面谈谈我的看法。

      首先，在我的心里，风光摄影和风景摄影是有区别的。有一次我在马尔代夫的海滩上看落日，整个落日过程持续了两个小时。我痴痴地看着天空中不同区域色彩的变化，夕阳的光影穿梭在云层之间，缓慢交替的光变换着角度。一瞬间，时间、光影的交错让我产生一种空间的错觉感。我没有拿出相机去拍照，因为我突然有一种感觉，大自然让你去感悟的东西，你是无论如何也拍摄不下来的，只能用心去体味，去记忆，在心中慢慢发酵。正所谓同一个风光在100个人心中有100个风景，风光在不同人们的心中产生了不同的情绪，是因为人有主观的思想，但相机是比较客观的，而如何再现我们心中的风景，这是需要我们去思考，去体味的。

      目前有很多人热衷于拍摄风光，尤其是数码相机的即时观看功能，更加助力了快速拍摄，却忽略了想象的空间。很多人仅仅是在记录大自然的伟大及壮丽，所以也造成了很多人拍摄出非常雷同的风光作品。

其实，不是所有的摄影都是艺术，艺术应该是创作者内心的思想、情绪及表达的独特性，而非简简单单依靠自然的光线、色彩物化的东西。长枪大炮不一定出大作，小小的手机也可能拍出上乘佳作。所以，我以为风光摄影的发展之路应该是走向风景摄影，记录大自然的风采固然很重要，但作为艺术摄影家更需要表达内心的思想及情绪。一个自然风光可能只是素材，而作品要表达的则是自己的内心。如《山的力量》是王令浚先生的作品，原始的素材和结果在表述上有很大的不同，一个普通的景物成为素材，是因为他知道最终他想要的效果是什么，两幅作品在力量上的对比是不可同日而语的。

      以上铺垫了那么多，主要是为了说明我在调整影像时是什么心态，如何去把握调整的度。我经常作为鉴定人员参加一些重要比赛的鉴定工作，对于比赛规则中所强调的不得移除与更改像素，对饱和度的控制等问题，我是这样对待的：首先严格按照规则执行，因为这里边有一个如何保证比赛相对公正的问题，但在实际中有很多现实的问题，比如，修脏点算不算修改像素；当作品进行裁剪时，会有更多的像素消失；当一个较大的文件缩小尺寸时，也会有相应的细节消失，是否算作移除像素；当数字文件呈现在不同的纸张上时，会出现不同程度的细节及层次损失；就是在实际拍摄时也可以通过曝光而忽略掉一些细节。所以不必太纠结，归根到底纪实不等于真实，只要不影响对作品真实意图表达就好。文／肖雁群

至于对饱和度的调整，也是如此。尤其是风光照片，相机所设的色温不同、曝光组合的不同，都会影响到原始文件的饱和度呈现，但真实是什么样呢？同时每个人对饱和度的态度也不同，在看展览时就最明显了。有很多的照片艳丽无比，有些作品则清淡似水，这些都可以说是作者自己对作品的理解及修养。艺术的表达是自由的，但还是要遵从一定的艺术规律。目前有很多摄影人在呈现照片时将饱和度调得非常高，鲜艳欲滴，讲究视觉冲击力，但实际上起到了相反的作用，正所谓过犹不及，天空、湖水、林木显得如此不真实，像是被污染过的一样，而作品又并非观念摄影，所以对作品的魅力产生了极大的削弱作用。

作为黑白照片则是另一个极端，没有饱和度，所以也无法分清现实中到底是什么颜色，饱和度多少完全是靠影调，更像是艺术摄影。

在现实中我们看到的色彩斑斓的美景，如果直接放在作品中并不一定就是美的，这涉及到色彩构成。不适合的色彩放在一起的时候，会产生脏、乱以及不协调的感觉，这恰恰是目前很多摄影人所欠缺的。如果能够学习一下美术中的色彩构成，将会有很大的益处。

另外有一些人会在作品上“移花接木”，增加一些原始画面本没有的东西，比如二次曝光，这样的东西主要还是看其艺术的表达。其次，利用电脑技术将一些其他画面上的元素抠下来，移植到这幅作品上，这首先是艺术摄影创作，而非纪实摄影。移植的东西如果强化了作品的艺术表达，我觉得是可以接受的。

虽然不能说所有的摄影作品都是艺术作品，但是如果从艺术摄影的角度讲，相机只是一个工具，如同画家手中的画笔，应该允许自由的想象与创作，只要你添加的东西与作品要表达的思想能够自圆其说即可。

关于锐化的问题，多少是合适？没有一定的量化，我认为舒服即好。曾经有一个朋友给我一张底片的扫描数据，让我打印出来，最后他认为打印的没有暗房里扩印的清楚。我说你可以拿回去比较一下，后来他确认后对我坦诚：确实是打印的更清晰。可为什么会有之前的误判呢？那是因为在传统暗房中，放大头边缘的清晰度会比中间弱，所以会显得中间的清晰度很高。而用电分机或扫描仪扫描出来的文件会使得各处的清晰度保持一致，那些都清晰的同时就显得哪里都不清晰。所以人们就会不断锐化，以期得到更清晰的影像，而过度锐化的结果让影像出现很多问题，比如细微的层次减少、影像显得不真实、边缘出现白边。处理这个问题的原则是让影像显得自然舒服，因为清晰与否是对比出来的，所以尽可能让影像要表达的主体清晰，周围可以不那么清晰，这样既可以突出主体，也可以让画面显得不那么平面。人的视觉习惯是从最亮的部分逐渐看向比较暗的地方，从饱和度最高的部分看向饱和度最低的地方，从最清晰的地方看向相对模糊的地方。所以，在调整中我会注意这些原则，尽可能让影像符合这些视觉习惯，同时又要符合作品的艺术表达诉求。

以上的一些表述是建立在艺术创作表达基础上的，而非纪实摄影。

当然作品最终的结果是要落实于呈现，所以，为了达到完美的效果，需要针对不同的艺术表达配合不同的材质。《紫禁城》是于云天先生拍摄的作品，我在调整时，为了实现艺术家心中的理想思考了很久。如何将故宫这座恢宏建筑那种永恒而久远的感觉“摄”入观者的心里呢？最终我将作品调整成为黑白影像，并通过我改良过的仿铂金印相效果的方法呈现在美术纸上，画面呈现出了一种悠久的历史感、沧桑感，就像是从青铜年代流传下来一样。同时让我感觉到，百年后，即使很多现代建筑都不复存在，而故宫依然可以经得起岁月的剥蚀，依然那样静谧地、不容忽视地在那里。

肖雁群

“798”真彩圣影数字艺术工坊爱普生艺术微喷工作室艺术总监，“中国摄影金像奖”技术评审。

      现在Ps的争论焦点又集中在风光摄影领域了。在风光拍摄里，要不要有Ps手段的介入？

      其实回答这样一个问题，对我来说还真是很纠结。不论是当年用传统胶片时还是现在用数码相机时，我对摄影探究的是如何利用手里的材料和艺术手段来实现我的艺术观，至于是什么手段，可以说是“不择手段”，只要能为我所用，能为我的艺术观点说上话，不妨利用之。所以，在我自身的意识里，对于这些涉及传统“法统”和“宗法”的条款，我都看得比较淡漠，甚至可以弃之不顾。可是，在有些朋友那里，这是非此即彼的问题。

      其实这里最大的焦点是对于风光摄影概念的界定，甚至于更大的焦点是对于摄影概念的界定。究竟给摄影一个什么样的定义，这是一个自始至终说不完的话题。其中纪录性成为摄影概念里的一个巨大的亮点，被人们奉若神明而不可改变。其实，大家静下心来，仔细分析摄影的这个概念以及形成的缘由，就不会那么敏感和激动了。

      记得有一件事情，给我的印象颇深。大概在1985年左右，在美术界进行了一场大争论，争论的话题特别单纯——我们画素描到底是要画光影素描还是要画那种结构素描。

      记得当时争得很激烈，许多名师也参与到这个“战场”里了。因为，当时正值改革开放初期，一切都在变化着，人们又是刚从“文革”中走出来，我们的思想正处于一种新旧交替的阶段。按照以往的规律，当时美术院校接受的全是以苏联的契斯恰科夫的素描体系为主的“全因素”式的素描画法，就是那种画得很细、很全面，包括光影、背景等一切一切都一概在画面里表现出来。可是，现在新的观念进来了，我们还要不要继续以前的这个体系，需不需要进行新的画画方式了？说得通俗些就是素描要画“面”的还是要画“线”的，这样吵吵嚷嚷好一阵子，最后也不了了之了。

      现在想起来，人们当时的想法都是好的，都想在艺术上找寻一个突破口。只是，当时的环境和所处的时代，对于这样一个简单的问题还有着很多理解上的局限性。而今，这已经不是问题了，但是，我们今天回想起来，这样一个简单的问题之所以能够产生争论，除了在学术上的理念问题外，其实还有就是当时的“少见多怪”造成的，这事儿和现在摄影范围里有关要不要Ps的争执特像。那么我们能否也平心静气地等上一段时间，这些争论也就会慢慢地、自然而然地化解了。

      摄影是最年轻的艺术手段之一，摄影术不论是材料还是在手法上都是发展变化最大最快也是最多的。从诞生那日起到现在，摄影虽刚刚经过170余年，可是已经历了许多重大的变化，直接影响着人类的生活和应用。从传统银盐的曝光材料到现在数字模式的流行，人们往往还没有完全熟练掌握一种新的技术，又有更新的技术替代了它，真是让人们目不暇接，眼花缭乱。

      数字摄影手段一出现，就伴随着摄影的“决定性瞬间”的理论受到了冲击，摄影的“真实性”也一再地被人们质疑着——摄影到底还有没有真实性？ 

      经过手指轻轻触动快门，就决定了对外部事物的一个影像定格，它就有可能将是一个载入史册的历史记录，这也是摄影本身的魅力所在，也是能够到今天还为人们所津津乐道的地方。它可以作为法律的依据和呈堂的供词而存在着，是牢不可破的真理，这是人们已经习惯了的约定俗成的观点。

      但是人们在历史上不断地开着这个“铁律”的玩笑，而一些历史事件也是在人为的操作下，在“影像作为历史记录”的严肃的观点下，被一次次地玩弄。从清末的“岑春煊案”到我们“文革”时期的一张张被暗房技师修改后的“历史”影像，无不证实着这样一个规律——真实，永远不是绝对存在的，它如同将历史比喻为一个少女一样，可以任意被人们按照自己的意愿打扮起来，自古就没有那种绝对的真实。既然是这样，我们又何必死死地抱住这样一个脆弱的并不严格存在的特征而不放呢？

      当然，从人文观点上说明真实不是绝对存在的，但是这并不与摄影的“决定性瞬间”相矛盾。在拍摄风光时，摄影师蹲守在外面炎热或者严寒的环境里，持着相机在那里长时间地等待，等待着那一束光线的出现，等待着一轮圆月的东升。当他们得到了按照自己的构想而得到了照片时，确实有着无法形容的喜悦和欣慰。这是用辛勤劳动换来的作品，只有经历过这样的拍摄过程，才能体会出收获的快感。

      但是，现在也有些摄影师坐在家里的电脑前轻松地运用软件（其实这件事也并不轻松）经过挪移、拼贴将自己的影像进行修改和整合，一下子就达到了你想要的效果，甚至还超越了你想象的艺术效果。这就给人一种“不劳而获”的感觉，觉得这些人是“投机取巧”，让那些在酷热严寒的环境里苦苦拍摄的人们，的确有些不公平的愤懑和深深的“酸痛”。

      然而，数字手段的发展是不可阻挡的历史洪流。技术手段仍在不断地更新，还会有更多的软件和手法陆陆续续地出现，用不用是你的事，存不存在可就不是你个人能够控制住的。而且，只要数码相机的拍摄方式存在了，那么就必然伴随着后期的调整。因为，对于数码相机的拍摄方式来说，拍摄（多指非标准专业状态下的工作要求）仅仅完成了摄影的一半的工作。在一切都不确定的情况下，如相机参数的设定、电脑屏幕的色彩管理、输出的格式和打印的对接等等，都不可能撇开“调整”二字。所以，简单地要求在数字化的今天，完全地按照传统胶片的工作方式和要求，拍完后不许有任何人工介入，几乎不可能，也是不现实的。

其实，当年在拍摄传统胶片时，也有“后期”呀！那些暗房技巧难道不是后期吗？诸如多次曝光、重叠曝光、遮挡等等。当时是怎么规范这种类型的摄影作品，我不太清楚，如果当时这类型的作品的性质和今天在电脑上调整过的性质是一样的，那这个事情就简单了。

      在摄影这个范围里，未来的面貌是一个“人神共存”的状态。传统的胶片拍摄继续维持着它的一个特定的群体，他们继续沿着这个方向不断地艰辛地搜索找寻那自然界里奇妙的景色，拍摄那动人的瞬间，留住自然界里最美好的真实的动人的美景。而另一部分人群，则热衷于体会新材料和新方式带给他们的刺激和反应。他们会接触大量的新手段，不断地更新改变自己作品的表现方式。对于他们来说，是否是“决定性瞬间”并不重要，重要的是如何让作品呈现出最佳状态，一切的调整和添加都是本着一个原则——让作品更加完善。

      因此，对于风光摄影里要不要用Ps进行调整，调整后的影像还是不是一幅体现真、善、美的作品？我对上述问题的观点是采取温和的“和稀泥”的态度。

风光摄影的结果决定了它的定位。如果一个以科学研究或增加认知为目的的影像，那就是纪录类的，既然是纪录类的，请拍摄者按照严肃的科学态度来      对待这件事。如果以抓取自然界美好的瞬间为目的的拍摄，那肯定就是艺术类的，那就让艺术家们按照自己的想象和能力，大胆地去创作吧。但是分类的目的不是“三八线”，纪录类的影像同样可以成为很好的有艺术感的影像，艺术类的影像也可以成为一张可作为依据的资料性的影像（只要它没有对拍摄的对象进行干扰式的、改变对象性质的修改）。只要厘清了这些，我们就可以根据它的属性，规范比赛等一些摄影活动了。

      那究竟该怎么办？我上面举的例子就是说明，争执纯属耽误时间、浪费工夫，其实摄影就是一个创作手段，不要将它的结果推到一个道德层面上加以批判和歧视，也不要简单地用创作时的劳动量的多少来衡量艺术创作的价值。那么，我们不如一起想想如何“共处”，不如一起讨论这里面的技术和观点的相同点和不同点，找到规律。这就需要我们将来组织摄影比赛的部门，要多了一些“清规戒律”了，目的是让人们意识到竞赛的公平，创作劳动得到应有的尊重，尊重摄影艺术的独特的“真实性”，以及对于摄影态度上所具有的严肃性。我们的组织者们能否就这方面的内容再将规章制度制定得再具体些？

      我建议将来可以在大赛的规章上进行一些严格的规范，像电影的“分级制”，将今后的影像展览和竞赛的分类更加细化，诸如：在风光摄影比赛时不要根据题材分类，可以根据拍摄材料分类：比如分为数码类、传统胶片类等，其中对于每一种分类都有很详细的要求。

      有人担心，这样，还会有人在里面做手脚。我要说的是，只要有比赛就会有各种事情发生，就会有人违反规章制度，钻规章守则的空子，但是有我们严格而又科学的章程在，就不用担心它的发生。这确实要求我们的评审人员要有更加严格和高超的审查措施和水平了，俗话说得好“魔高一尺，道高一丈”。我坚信随着不断深入和总结，一定会有一个好方法使得一切艺术手段“和平共处”，目的都是要展现每一位创作者的艺术魅力。文／姚璐

姚璐

中央美术学院设计学院摄影教研室副教授、中国摄影家协会艺术摄影委员会委员。

      Photoshop出现已经很多年了，不是什么新鲜事，究其本质，不过是一个暗室变为明室的方式改变。以往的专业摄影师有过暗室辛苦洗印照片的体会，Ps的出现的确解放了生产力，让图片的生产与加工更加大众化。我认为这是继单反相机之后，另一个深刻改变摄影的技术性革命。但是任何技术的便利都是双刃剑，带来方便的同时，一定需要警惕那些不好的方面。现在的美图秀秀、可牛软件等其实也都是Ps的傻瓜集成版，到了平常人手中，作为“自拍+自恋+臭美+骗人”的小工具，给生活增添情趣，无可厚非。但是，专业摄影师还是需要慎重对待Ps这个利器。

      在国内，专业的摄影工作者从专业背景来划分主要有两种：一种是有美术基础的，这些人因为有着一定的美学在那里把关，所以不太让人担心，使用Ps也是比较有度，不会过分离奇；还有一种是没有美术基础的，这些人往往更热衷于使用后期的一些手段，将自己在大自然中的遗憾弥补回来，他们本身不具备专业的美术知识，常常将一幅照片的命运交由扩印店的小弟来打理，最后出来的照片颜色惨不忍睹，无论照的是什么，都感觉像是九寨沟的五彩池。因此摄影师一是要自己懂一些Ps的专业知识，另外还需要加强自身的美学修养吧，否则无论你拿着相机走到哪里，即使是世界尽头，最后也会变成冷酷仙境。  

      在风光摄影范畴中讨论Ps，我想主要有两个层面的问题。一个是在这个领域里使用Ps是可以理解的，须知Ps不过是传统暗房技术在数字时代的延伸化和便利化，正如当我们欣赏郎静山大师的画意山水集锦摄影作品时，不会有人质疑他采用暗房工作的合理性一样，今天当我们使用更容易操作的电脑Ps技术对风光摄影作品进行后期再创作时，也是无需大惊小怪的。但从另一个层面来看，就是这种“Ps”是不是要有一个“度”的问题，我认为是应该考虑这个“度”的。常看到一些影友发来的风光摄影习作，过度追求完美的光线，并且过度依赖后期处理，以至制作出一些完全违反自然光照可能性的“漏洞”照片。这不但不能锦上添花，反而弄巧成拙，使作品的艺术性和欣赏性大打折扣。

      我个人认为，这个问题的本质是一个摄影艺术的真实性基础问题。虽然艺术来源于生活而高于生活，但是摄影艺术的真实性恰恰是它存在的基础，在这个基础上进行适度的后期Ps是创作的一个组成部分，但总是希望“以假乱真”、“无中生有”，特别是希望这种“乱真之假”能被大家“信以为真”，则往往会适得其反的。这里还要提到一些创意性风光摄影作品，大家一看就知道不是真实的现实世界，这种Ps尽管大胆，但是其运用则是得当的，因为它彰显的是一种超现实的作品理念，如环保理念等。

      风光摄影Ps到底应该如何把握度？首先要看度掌握在谁手里，没有任何一个组织可以对风光摄影下一个Ps度的定义。有人说应该以百分比计算，可是模棱两可的定义会对今后出现的纠纷埋下不可预测的伏笔。有人说不提倡Ps，但是拍摄结束后的数字文件与摄影师表达情感相差甚远，又如何体现摄影师的主观思想？两种思想的胶着状态并没有为摄影爱好者提供良好的创作思路，反而使他们手足无措。摄影本是视觉艺术，摄影师是视觉艺术的创造者，并且每一代优秀摄影师都是在前人的足迹上走过，并向前多迈几步。胶片时代我们受制于技术的束缚，繁琐和不可更改的暗房工艺限制了无数优秀摄影师，而当今数字技术空前发达，我们更应该牢牢把握技术优势创造出属于自己的作品。

      说了半天，很多人想听听我对Ps度的看法。个人拙见，“度”是一个社会的集体认知。当你是少数派时，你就有可能超越了大众公认的度；当你是多数派时，你就是社会公认的主流。主流与非主流都曾有无数艺术大师涌现，想套用一句话：“时间”是检验真理的唯一标准。

      讨论照片是否允许Ps，更多的时候是个伪命题，因为“照片”的定义太模糊。用现行的标准是把照片无厘头地分为“纪录”和“艺术”两类，前者除影调外，一根头发也不可增减，而后者可如绘画般随意修改涂抹。

      照片的“真实”是人为赋予它的，如果我们想在照片上寻找所谓的真相，一定会失望。照片的意义并非是真实的再现。即然照片的真实从来就是打了折扣的，我们又何必为不存在的真实而守身如玉。

      摄影，最重要的是一种表达，而非去呈现一个实在的场景。表达，有太多的方式和手段，运用照相的方法是手段之一，拍照之后对画面的修改，更是加强主观表达的方式。

      因为数码摄影的介入，关于对照片修改的话题很是热闹，其实，并没有什么需要争论的，凡是呈现类的照片不容动之毫厘，余下的悉听尊便。

      我理解，非“纪实”的照片不仅允许更改、拼接、挪用或与其他艺术形式比如绘画、DV、装置等混合，还要特别鼓励和提倡。当今的艺术如果还纠结于国、油、版、雕的界定，就有些滑稽了，只要你能最真切地表达，用什么材料和方法还是问题吗？

      几年前，“周老虎”等新闻照片做假事件，不光让摄影人颜面扫地，更是将Ps推到风口浪尖上，以致如今一提Ps仍会谈“虎”色变，似乎谁Ps了，像是做了见不得人的事，难免逃脱不被质疑的噩运。Ps究竟犯了啥错？

      作为图片编辑，在工作中我不会排斥Ps后的作品，当然这类作品应该是在艺术创作的范畴之内。过去，胶片时代很多摄影师利用相机的多次曝光和暗房技术在画面中叠个月亮，加个太阳，充分体现摄影者的想象力和摄影的功底，少有质疑，为什么数字摄影时代的Ps竟遭如此非议？

      以我拙见，“移花接木”式的Ps对于新闻摄影、纪实摄影来说是雷区，不可越过半步，而对于艺术范畴的创作，犹如天国和乐园，它会拓宽摄影师的视野，能让灵感犹如泉涌。这里需要强调的是，即便是在天国或乐园之中，也不要违背自然常理，不可为所欲为。进行Ps前一定要给自己一个充分的理由，删除、添加也好，调整影调、提高饱和度也罢，目的是要提升影像的艺术感染力，要化腐朽为神奇，如果仅仅是雕虫小技就会得不偿失了。多点雪中送炭，少点锦上添花。Ps，既不是阿拉丁神灯，更不是洪水猛兽。

 

      说起Ps，我想起了“人类一思考，上帝就发笑”这句犹太古谚语。

      当我们采用“移花接木”之术“画龙点睛”时，上帝会不会发笑呢？上帝也许认为：我为你们创造了数不尽的精彩瞬间和美轮美奂的风景，你们为何不用摄影工具把它记录下来，却老想着证明比我还高明呢？

      摄影者利用Ps工具调整影像时，如果仅想凭借自己所掌握的那些摄影“圣经”去弥补所谓“上帝的遗憾”，必然会遭到上帝耻笑，也会被那些更了解上帝的同类所识破——你差远去了。

      真正懂得欣赏的人，并不会仅仅为那些“巧夺天工”的技法或者所谓“完美”的构图而喝彩。在他们眼里，这只不过是小儿科，什么构图、色彩与用光，什么点、线、面，这些是摄影老师评价学生习作时的概念，一幅称得上艺术的摄影作品，除了摄影师熟练驾驭摄影语言创造出的形式感外，还必然要体现他的思想情感与审美理想。可以说，艺术家情趣的高下是决定其艺术作品魅力大小的关键因素。

      Ps只是一种工具，用好了这个工具会令同行们折服，用不好就会被上帝所耻笑。作为摄影人，自己去决定吧。