MoMA新摄影展30周年：“图像的海洋”

每年深秋，纽约现代艺术博物馆（MoMA）都会如期迎来“新摄影”（New Photography）展览。“新摄影”顾名思义就是展出过去一年内，摄影界新的作品、新的焦点。到今年，这一主题展已经走过了三十周年。“新摄影展”每年由MoMA摄影部组织策划。MoMA自20世纪30年代就已经开始收藏摄影作品，并于1940年成立了摄影部——一个几乎以一己之力把摄影推向艺术行列的策展部。继博蒙特·纽荷尔（Beaumont Newhall）和爱德华·斯泰肯（Edward Steichen）担任摄影部首席策展人之后，MoMA以及整个美国摄影界迎来了后来被称为“摄影的审判台”上的约翰·沙可夫斯基（John Szarkowski）。约翰·沙可夫斯基是首届“新摄影展”系列的创始人，也是摄影评论巨作《摄影师之眼》（The Photographer’s Eye）的作者——一把奠定摄影艺术性的标尺。在广泛争论摄影是否为艺术的大背景下，“新摄影展”的创立初衷就是“发现发觉尚不为人知的摄影艺术”，这也成为了之后30年MoMA摄影部不遗余力的追求。

 ▲ “图像之海：新摄影2015”展览现场，以色列艺术家伊力特·阿左雷 Ilit Azoulay作品《偏移的确定性》

于纽约时间11月7日开幕的新一届“新摄影”展题为“图像的海洋”（Ocean of Images），试图探索在互联网时代基于图像的“生命”，这一探索是通过检索当今各种艺术家的实践完成的，包括诞生在数字空间里的图像，在工作室或现实世界利用扫描仪或镜片制成的图像，图像静止或运动的呈现，或是以杂志的形式传播的图像，以及“进化”成三维物体和声音的影像......如此丰富的形式，似乎大大拓宽了摄影原本的概念边界。在接受《艺术新闻/中文版》采访，并被问及本次展览是不是想重新定义摄影的时候，策展人昆汀·巴耶克（Quentin Bajac）说：“本次展览并不是尝试得到一个论点，而是尝试研究摄影与图像在当今社会中存在、利用的形式。”

▲ 卢卡斯·布莱洛克的作品，两幅左右颠倒的《鞋》只存在细微的差别，分布在不同的展厅的不同区域，时刻叩问观者“是否已经在展览中看过这张作品？”

展厅的19位艺术家的作品由纽约视觉艺术学院教授卢卡斯·布莱洛克（Lucas Blalock）的作品串联起来。布莱洛克的作品利用数字技术，例如Photoshop中的“图像自识别”（Content Aware）技术，展示了迁移到数字空间内图像的随机性和超现实性。笔者认为这是一种几乎偏执的对“变化产生于规则”的追求。例如布莱洛克的两幅存在细微差别的《鞋》系列，分布在不同展厅的不同区域，时刻的叩问观者“是否已经在展览中看过这张作品?”让本来线性的展览变得跳跃。如同德国图像哲学家维兰·傅拉瑟（Vilém Flusser）在上世纪70年代提出的疑问，如果在一个图像饱和的世界里，我们还可以意识到图像的存在吗？或许我们不再对重复的图像而敏感，我们所能看到的只会是未曾谋面的“新”图像——变化带来信息点。

▲ 美国艺术家组合DIS将MoMA的水印加在作品上，把美术馆与艺术家作品之间微妙的控制关系以冷静幽默的方式呈现出来

展厅第一组作品来自美国艺术家组合DIS。他们把MoMA的水印加在作品上——但事实上MoMA并不拥有这些图像。水印广泛的存在互联网上，例如微博、微信上的签名，被用来强调作者的版权。这种功能性的图像标志，已经成为人们观看网络图像不可缺少的部分。DIS作品中所利用的是各类“罐头”图像——一种负责给各种出版媒介供图的商业摄影形式。“罐头”图像广泛存在于各种商业图库，例如Dreamstime和Shutterstock等，这类图像在制作的时候多没有明确的指向性以便被使用在不同的语境下。艺术家将这一象征版权的水印方式用在MoMA此次展览的作品中，将美术馆与艺术家作品之间微妙的控制关系以冷静的幽默方式呈现出来。