张艺谋导演、摄影创作访谈
| * 你作为北京电影学院摄影系毕业生，作为“第五代”的电影摄影师，你现在回想起来，或者你认为在电影创作上摄影师跟导演应该是一种什么关系？而且是让你站在摄影师的角度上来讨论这个问题。 # 这个问题有一定的难度，主要是因为我十几年没有干摄影师的工作了。现在考虑问题很容易站在导演角度上。 * 现在把你的位置和思维转换到摄影师的角度上，是比较矛盾，而且有很大的困难。 这个问题可以不可以这样理解，就是你作为一个电影导演，你认为跟摄影师应该是一种什么样的合作方式？或者是你们在创作中怎么合作可能更好一点？ # 就一般而言，导演与摄影师是同事`合作者、伙伴、朋友，这是一般概念性的说法。实际上，这里牵扯到一些特别具体的一种感觉。我现在合作的摄影师都十分融洽。 当然我目前为止合作的摄影师都是“七八班”的同学。要说我自己切实的体会，就是故事片摄影创作的摄影师，在创作的过程中要想着“戏”。这是我最深刻的地体会。我当年拍摄《一个和八个》《黄土地》的时候就有这种体会。 * 哪个“戏”，你说的是哪个“戏”？ # 影片中想要拍的那个“戏”。戏剧的“戏”。就是摄影师不但要完成摄影本身的工作，而且还得了解戏，懂戏。并且在创作中时时得想着为影片人物塑造服务。这是我现在的基本想法和体会。我现在回过头来反思摄影师的工作，我以前做摄影师这方面我觉得做得还不错，但是至今合作过的摄影师也有不太注意这方面的工作。 * 那你所认为的“戏”，就是指影片的叙事，想着人物形象，想着人物塑造？ # 对；摄影要为“人物”服务，一定要为“人物”服务。因为我们通常讲的摄影师创作，理论上讲都是要为影片中的人物形象服务。通常讲摄影师跟导演的关系也都是朋友关系、哥们儿、合作者。因为，现在电影摄制组已经不可能说是一种纯官方的合作关系。今天电影的拍摄中的摄制组组成已经都十分自由化、自主化。不像以前那样给你分配人来，硬性将一些人组合到一起拍戏，这种情况已经不存在了。 * 那时完全是拉郎配式的。 # 为完成电影厂的拍摄计划，制片主任给你分配一些人来，这其中你还得十分小心的处理人际关系，比较微妙。现在都是志同道合的人，因为都是朋友，来了以后就都不再谈个人关系了，如果说现在在摄制组中，哪个摄影师还跟导演在现场“打架”，就比较可笑了。通常出现这种情况的往往是一些“草台班子”的电视剧。现在一般自己组合形成的摄制组，尤其是故事片的摄制组，都比较正规，都不存在这种在合作关系上的矛盾。以前的时候这还是一个主要问题。 * 人主要的精力放在跟导演处理“关系”，没有精力搞创作和艺术上的合作。 # 那么，反过来说创作上，艺术上的合作，我自己是非常深切的体会就是摄影师一定要想着影片中的“人物”。如果摄影师仅仅是想着摄影`画面和技术上的问题，或是他到了拍摄现场后，他只考虑摄影自身的东西，当然，这没有错，这是摄影专业的东西。但是，很容易在导演的心里面会有点觉得不太舒服，甚至产生矛盾和隔阂。 我举个最简单的例子：比如说拍摄现场的演员位置。通常，摄影师都希望给演员定一个位置，因为这是一个光区，演员进门，然后走过来，然后站住，说台词。练习几遍没问题，摄影师，演员都十分熟悉，开拍。实拍时演员走过来，第一遍，差了半步。因为，演员一演戏有的时候顾不上那么多，尤其是一些不是很有经验的演员，实拍时与试的时候差半步。站住之后怎么办？差一点，再来一次，摄影助理甚至摄影师就会提醒演员再来一次。第二遍，演员因各种原因又走过了半步。两遍之后，通常，作为摄影师来讲就容易去过去很郑重的提醒演员：“你可不能再走过了啊，否则，我们的摄影焦点也会有问题，你一定要记着这个位置，绝对不能再走不到或者走过。我在这儿给你搁一个东西，你一定要记着这个位置”。我呢?这时我从导演的角度上反对摄影师这样反复提醒演员，我认为这样是在干扰演员，而且我反对这样的做法。我一般在现场碰上这种情况马上就会上去干涉，会对摄影组说：“行了，行了，差不多就行了，不要再说了，你们自己去调整”。而且，我马上就跟演员说：“你不要想这些，不要受这个干扰，该怎么演就怎么演”。这就是我的体会。 [FS:PAGE] 但是，拍摄时有的摄影师是这样的。他为了追求画面的完美，追求构图的精确，追求光线的到位，他一定要求演员按照他的那个感觉一定要走位，不到位，他就认为别扭，他老觉着别扭。一停机，首先他自己就皱着眉头，表示不太满意。你要知道，摄影师这时的脸色，是演员第二个看的。因为在拍摄现场，导演一喊：“停”，演员第一个看的人就是导演。第二个看的是摄影师。如果演员这时看到摄影师皱着一脸眉头，那种特不满意的样子，演员就会有心理负担。导演也觉着不舒服啊，看到摄影师这样表情不对，那就会再拍一次。其实这样弄和反复的结果是造成了演员更大的心理负担，越弄越紧张。在演员的心目中，位置似乎成了很重要的东西，形成很大的压力。然后，演员一进门，他就琢磨。你能在现场从他的眼睛里面看出来走神。 * 对，这时演员光想着位置多么重要，反而忘记了表演。 # 所以，我很强调这一点。为什么我要求摄影师要特别了解影片的故事，了解影片的“戏”，了解影片中的人物，尤其要了解故事片中那种最本质的东西。 我至今仍然认为：第一，一个好的摄影师包括他的工作班子，副摄影，摄影助理，应该是全方位，全能的，无论是在技术上还是在艺术上。他们应该给演员提供非常宽松的创作环境和广阔的创作空间。绝对不会由于技术问题和现场操作问题，构成对演员表演和表达人物情感上的障碍。具体来说，他的光线区域布置就要有一个相当大的范围，可以在技术的控制之内。因为电影摄影绝对不是呆照摄影，绝对不是平面构成，演员差半步，少半步没关系不是一个问题。摄影师完全可以调整，用他的摄影机的那种运动和整个的感觉去调整。当然，有不满意的地方，没关系，我们可以再拍。 第二，摄影师工作班子，他的副摄影，他的摄影助理，他的焦点员工作都十分重要。尤其是焦点员，对于固定的焦点永远是拿皮尺一拉，就到这儿。如果是人物运动的，焦点变化就会很大，就会虚。这时焦点员如果没有把握，他就会告诉你：“导演，没把握”。你说没把握怎么办，你还得再来一遍。我们拍多少那都是次要的，拍多少胶片都是次要的，只是一个钱的问题。最重要的实际上是现场演员的一些表演，那是不可能重复的。 我们今天只是知道，演员现在要哭了，要来情绪了，要表演一段撕心裂肺过程，这戏不能拍两次，只能拍一次。哪怕我今天就只是拍一个走路的特别简单的镜头，常常最好的状态也就是那几秒钟。最自然的状态也就是那几秒钟。如果我现在拍得次数很多，常常在大量的条数中选择。最后，你就会发现，实际上，任何一个哪怕很简单的镜头都有不可重复性。你拍十条，在剪辑台上你看这十条时，它必定有一条是最舒服的。而其它的这九条都不能达到这个效果。电影表演其实是一种很微妙的东西，它确实有很多地方是不可替代的，不可重复的。不是说你的主观想象怎样，现场怎么调动，各部门怎样努力工作，拍摄出来的这条就会最棒，其实不见得是最棒的，技术上可能是最好的。 |
