高岩：法国艺术教育中关于摄影创作的逻辑与方法

另外一个例子是生活在法国的美国摄影师埃里克·波德莱尔（Eric Baudelaire）拍摄的废弃建筑景观，这个系列作品叫做《想象中的国度》（États imaginés）。如果剥离照片的语境只是从画面语言来理解，我们有可能会曲解这个作品的拍摄意图。作品中的画面色调以及光线捕捉有着极强的节奏感与绘画感，甚至会将观者带入一种虚构的浪漫想象。可当我们研究拍摄背景时才明白这些照片都是在亚洲的阿布哈兹拍摄的，这里是一个虽然独立却不被国际上大多数国家所承认的国家，阿布哈兹问题也是格鲁吉亚和俄罗斯的主要纠纷之一。透过这个背景，我们会重新审视，理解这些被战争毁坏的景观，带有诗意目光的出口是忧伤的、没有结果的，而标题《想象中的国度》也画龙点睛的暗示了处于困境中的阿布哈兹和这个国家并不明朗的政治未来。

第二个方面是提问。

提问不好讲，因为大家都明白提出一个好的问题非常的困难，在这个阶段要面对的是针对背景展开个人化（观点）的思考。

前一阵子有个西班牙的摄影师胡安·维利帕兰诺（Joan Villaplana）来天津美院讲学。当时有个特别有意思的事情，他在指导学生作品的时候用“观点”这个单词替代了“视角”，使用的是法语单词是"point de vue"，即理解世界的角度。更具体的说就是你在按下快门之前已经有了对要拍摄语境的看法，并通过你所选择的角度与镜头语言表现出来，这其实就是观看即观点的概念。观看时的角度与位置都表明作者的立场以及用什么样的方式认识这个世界。你用什么样的方式来与主题对话，也就构成了提问的过程。所以我认为这点是非常重要的，我们如何通过一种个人化的思考来针对背景提出问题。一件好的作品可能用一句话说明白，也能写出一本书。

托马斯·施特鲁斯（Thomas Struth），新宿（Shinjuku），东京，1986

关于提问环节可以看一位德国摄影师的作品，看看他拍这张照片时的问题及思考是什么。这是托马斯·施特鲁斯（Thomas Struth）在1986年拍的东京新宿区。他的问题是：如何用最客观的摄影语言来试着明白人类现代化进程中无可逃避的非人性化特征？我们用一句话能总结这个摄影师想法、终极目的是什么，后面我会用更深入的分析来为大家论证这种“客观化”的语言相对于他的语境有什么特殊的作用。

第三个方面是历史线索与灵感来源。

我理解今天所有的创作都是或多或少构建在历史经验基础之上的产物，我们在初学时就应该去了解自己所关注的领域跟哪个流派的哪些人的语言或者内容与问题相接近，需要做一个有个人研究线索的艺术史梳理。这其中有哪件作品影响到你，从哪方面影响你？你创作的灵感来自什么地方？这部分工作会促成你的作品最终区别于艺术史地图的现状，减少重复发生的可能性并找到新的坐标。其实创作最初的动力也是非常多元化的，它可能是一次书籍阅读，也可能是一次展览、新闻、旅行、谈话、音乐、电影等等。

从历史线索与美学传承的角度来看，德国摄影历史的发展脉络是非常清晰的，比如德国的摄影师奥古斯特·桑德（August Sander）对贝歇流派摄影的影响。他的拍摄方法是由以下几个方面构成的：从人物的正面拍摄、自然光、灰色背景与自然环境、在被拍摄对象的工作生活的地方进行拍摄，无论人物高矮，用平行对视的方式进行观看。他用非常民主的态度对二十世纪的德国人以分类的方式进行观看。

奥古斯特·桑德（August Sander），中产阶级子女（Middle Class Children），1925